현대미술사 20편｜퍼포먼스 아트, 예술가의 행동과 시간이 작품이 되다
현대미술사 20편｜퍼포먼스 아트, 예술가의 행동과 시간이 작품이 되다 20세기 후반 현대미술에서는 작품의 범위가 계속 확장되었습니다. 회화와 조각이라는 물체에서 벗어나 장소와 빛, 재료와 관람자의 경험까지 예술의 일부가 되었습니다. 그리고 일부 예술가들은 한 단계 더 나아가 자신의 신체와 행동 자체를 작품으로 사용 하기 시작했습니다. 이를 퍼포먼스 아트(Performance Art)라고 합니다. 퍼포먼스 아트에서는 완성된 물체보다 특정한 장소에서 일정한 시간 동안 일어나는 행동과 관람자의 경험이 중요합니다. 1. 퍼포먼스 아트란 무엇인가 퍼포먼스 아트는 하나의 고정된 양식이라기보다 예술가의 신체와 행동, 시간과 장소를 작품의 주요 요소로 사용하는 현대미술의 표현방식입니다. 그 뿌리는 미래주의와 다다의 공연, 바우하우스의 무대실험 등 20세기 전반의 여러 전위예술에서도 찾을 수 있습니다. 1950~60년대 이후에는 해프닝(Happening), 플럭서스(Fluxus), 신체미술 등의 실험과 함께 더욱 활발하게 발전했습니다. 작품은 공연이 끝나면 사라질 수도 있으며 사진과 영상, 기록만 남기도 합니다. 2. 앨런 캐프로와 해프닝 앨런 캐프로(Allan Kaprow) 는 미술과 일상적인 행동의 경계를 허문 대표적인 작가입니다. 그는 1950년대 후반부터 '해프닝'이라고 불리는 작업을 전개했습니다. 해프닝에서는 정해진 무대 위에서 배우가 공연하고 관객이 객석에서 바라보는 전통적인 구조가 흔들립니다. 관람자가 공간을 이동하거나 작품에 참여하기도 합니다. 따라서 작품은 예술가 혼자 완성하는 것이 아니라 장소와 행동, 관람자의 참여를 통해 완성되는 사건 에 가까워집니다. 3. 이브 클랭과 신체의 흔적 프랑스의 이브 클랭(Yves Klein) 은 특유의 강렬한 청색으로 잘 알려져 있지만 신체와 행위를 이용한 작업에서도 중요한 위치를 차지합니다. 그의 《Anthropometries》 연작에서는 모델의 몸에 청색 안료를 묻혀 신체가 캔버스에 직접 ...