제임스 터렐, 빛으로 공간을 만드는 예술가

 벽에 사각형의 색면이 떠 있는 것처럼 보입니다. 가까이 다가가면 그림도 스크린도 아닙니다. 실제 빛이 만들어 낸 공간입니다.

천장에 뚫린 사각형의 구멍을 바라보면 하늘은 평소보다 훨씬 선명한 하나의 색면처럼 느껴집니다.

**제임스 터렐(James Turrell)**은 빛을 이용해 우리가 공간을 보고 인식하는 방식을 탐구해 온 미국 현대미술가입니다.

그의 작품에는 전통적인 회화나 조각이 거의 등장하지 않습니다. 대신 빛과 색, 벽과 천장, 관람객의 시각이 작품을 구성합니다.

터렐에게 중요한 것은 무엇을 보여주는가보다 우리가 어떻게 보고 있는지를 경험하게 만드는 것입니다.

1. 빛 자체를 작품으로 선택하다

　제임스 터렐은 1943년 미국 로스앤젤레스에서 태어났습니다. 대학에서 지각심리학을 공부했고 이후 미술을 공부하면서 빛과 인간의 시각에 관심을 갖기 시작했습니다.

1960년대 중반부터 그는 프로젝터의 빛을 전시장 벽에 투사하는 작업을 시작했습니다.

대표적인 초기 **《Projection Pieces》**에서는 빛을 벽의 모서리 등에 투사하여 실제 입체물이 존재하는 듯한 착각을 만들었습니다.

관람객은 눈앞에 형태가 있다고 생각하지만 가까이 다가가면 그것이 물체가 아니라 빛이라는 사실을 발견하게 됩니다.

빛이 조각의 재료가 된 것입니다.

2. 빛으로 공간의 깊이를 바꾸다

　우리는 일반적으로 벽과 바닥, 천장을 통해 공간의 크기와 깊이를 판단합니다.

터렐은 조명의 밝기와 색, 빛이 퍼지는 방식을 세밀하게 조절하여 이러한 공간감각을 변화시킵니다.

어떤 작품에서는 벽에 실제 구멍이 있지만 내부의 깊이를 알 수 없도록 빛을 조절합니다.

그 결과 깊은 공간이 평평한 색면처럼 보이기도 하고 반대로 평평해 보이는 곳에서 깊은 공간이 나타나기도 합니다.

관람객은 자신의 눈으로 보고 있으면서도 그 공간이 실제로 어떻게 구성되어 있는지 확신하기 어려워집니다.

3. 빈 공간이 색으로 채워지는 《Ganzfeld》

　터렐의 대표적인 작업 가운데 하나가 《Ganzfeld》 형식의 설치입니다.

‘Ganzfeld’는 독일어로 전체 영역 또는 완전한 시야를 의미합니다.

공간 내부의 모서리와 경계를 최대한 보이지 않게 만들고 균일한 색의 빛으로 채우면 관람객은 거리와 깊이를 판단할 기준을 잃게 됩니다.

벽이 어디에서 끝나는지, 공간이 얼마나 깊은지 쉽게 알 수 없습니다.

색은 벽의 표면에 칠해진 것이 아니라 공간 전체를 채우는 요소가 됩니다.

관람객은 그림 앞에서 색을 바라보는 것이 아니라 색으로 만들어진 공간 안에 직접 들어가게 됩니다.

4. 하늘을 하나의 작품으로 만드는 《Skyspace》

　터렐의 작업에서 널리 알려진 또 다른 형식이 **《Skyspace》**입니다.

천장에 사각형이나 원형의 개구부를 만들고 그 사이로 실제 하늘을 바라보도록 설계한 공간입니다.

주변 천장에 설치된 조명의 색과 밝기가 변화하면 같은 하늘도 전혀 다른 색으로 느껴집니다.

특히 일출과 일몰처럼 자연광이 빠르게 변화하는 시간에는 실내조명과 하늘의 색이 서로 영향을 주면서 독특한 시각적 경험을 만들어 냅니다.

하늘은 그대로 존재하지만 주변의 빛이 바뀌면서 우리가 인식하는 하늘의 모습도 달라집니다.

터렐은 이를 통해 색이 절대적인 것이 아니라 주변 환경과 관계 속에서 인식된다는 사실을 보여줍니다.

5. 화산을 거대한 작품으로 바꾸다

　터렐의 작업 가운데 가장 거대한 프로젝트는 미국 애리조나주의 **《Roden Crater》**입니다.

그는 1970년대부터 사화산 분화구와 주변 지역을 하나의 대규모 예술공간으로 변화시키는 작업을 진행해 왔습니다.

분화구 내부에는 하늘과 태양, 달과 별을 관찰할 수 있도록 여러 공간과 통로가 계획되었습니다.

이 프로젝트에서는 작품과 건축, 자연환경의 경계를 구분하기 어렵습니다.

터렐은 새로운 자연을 만드는 것이 아니라 기존 지형을 이용하여 우리가 하늘과 빛을 바라보는 방식을 설계합니다.

6. 작품보다 관람객의 눈이 중요하다

　터렐의 작품은 사진으로 보는 것과 실제 공간에서 경험하는 것의 차이가 매우 큽니다.

그 이유는 작품의 핵심이 특정한 형태가 아니라 관람객의 시각적 경험에 있기 때문입니다.

작품 안에서 몇 분 동안 머물면 눈이 밝기와 색에 적응하면서 처음에는 보이지 않았던 공간의 변화가 나타나기도 합니다.

관람객이 이동하는 위치에 따라서도 색과 깊이가 달라집니다.

따라서 터렐의 작품에서는 관람객의 눈과 몸 자체가 작품을 완성하는 중요한 요소가 됩니다.

7. 조명과 공간디자인에 남긴 의미

　제임스 터렐의 작업은 실내디자인과 조명디자인의 관점에서도 중요한 의미를 가집니다.

같은 크기의 공간이라도 밝기와 색온도, 간접조명의 위치와 벽면의 밝기에 따라 전혀 다른 크기와 깊이로 느껴질 수 있습니다.

터렐은 이러한 빛의 특성을 극단적으로 활용합니다.

빛을 단순히 공간을 밝히는 설비가 아니라 공간의 형태와 분위기, 깊이를 결정하는 하나의 건축재료처럼 사용합니다.

그의 작품을 보면 공간디자인에서 조명이 마감재나 가구 못지않게 공간의 인상을 결정할 수 있다는 사실을 확인할 수 있습니다.

　제임스 터렐의 작품에는 화려한 조각이나 복잡한 이미지가 필요하지 않습니다.

빛과 색, 하나의 벽과 천장의 작은 개구부만으로도 공간 전체가 작품으로 변합니다.

그러나 그의 작품이 단순히 아름다운 조명공간을 만드는 데 목적이 있는 것은 아닙니다.

우리는 평소 주변을 바라보면서 자신의 눈이 어떻게 공간과 색을 인식하는지 거의 의식하지 않습니다.

터렐은 빛을 조절하여 그 익숙한 시각을 흔듭니다.

그 순간 관람객은 작품을 보는 것에서 한 걸음 더 나아가 자신이 보고 있다는 사실 자체를 경험하게 됩니다.

제임스 터렐은 눈에 잡히지 않는 빛을 현대미술의 중요한 재료로 만들고, 공간과 인간의 지각을 하나의 작품으로 연결한 대표적인 작가입니다.